Vihuela española

La vihuela es un instrumento de cuerda pulsada con forma parecida a la de la guitarra y normalmente tiene 6 o 7 cuerdas dobles. Alcanzó una gran popularidad durante el Renacimiento en España y Portugal y, en menor medida, en Italia, durante el siglo XVI. En España y Portugal coexistió con el laúd, que era el instrumento más popular en ese período en el resto de Europa.

Descripción del instrumento
La vihuela es un instrumento cordófono en forma de 8, parecida a la guitarra actual, utilizada en todos los estratos sociales (la guitarra era usada preferentemente por las clases más bajas).[cita requerida] La iconografía española del siglo XV, así como algunas fuentes italianas, portuguesas y japonesas, muestran vihuelas con escotaduras laterales del tipo violín. Su fondo podía ser plano, abombado o acanalado. Cuenta con seis o siete órdenes (pares) de cuerdas (aunque hay fuentes que mencionan hasta ocho) que posiblemente se afinaban al unísono, aunque no hay pruebas concluyentes al respecto. Las cuerdas eran de tripa, ya que las cuerdas entorchadas con metal no aparecieron hasta mediados del siglo XVII. Su tamaño y variación eran variables. Generalmente es aceptado[¿por quién?] que la primera cuerda era simple, al igual que la "chanterelle" del laúd, si bien hay vihuelistas que actualmente usan todos los órdenes dobles.

Historia
La vihuela alcanzó su máximo esplendor en la Península Ibérica durante el siglo XVI, en un ambiente cortesano, y bajo el amparo de las capillas musicales de reyes y nobles. Su ámbito no quedó reducido a la península, teniendo en cuenta los continuos viajes de los reyes Carlos I de España y V de Alemania y Felipe II de España (y, consecuentemente, sus capillas musicales) por toda Europa; el instrumento también cruzó el océano y llegó al Nuevo Mundo, como lo demuestran los libros de cargo y las Ordenanzas de Violeros de la Ciudad de México en 1568. Los inventarios de instrumentos musicales en las cortes españolas (Reyes Católicos, María de Hungría, Palacio Real) demuestran una clara presencia del laúd, que en España era conocido como vihuela de Flandes; la convivencia de ambos instrumentos en las capillas españolas del siglo XVI está plenamente demostrada por la documentación de la época, que muestra a músicos como Martín Sánchez sirviendo como laudista a Juana la Loca.[cita requerida]. En 1441 Alfonso el Magnánimo, rey de Aragón, Sicilia y Cerdeña conquista el reino de Nápoles. Desde ese momento la corte napolitana se constituye como una de las más refinadas de Europa. Es de ese período que es probable que muchos violeros aragoneses introdujeron la vihuela en tierras italianas y se popularizara su uso a nivel cortesano.

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Zambomba

Instrumento construido con un recipiente más o menos cilíndrico de metal, barro o madera (generalmente abierto por arriba y por abajo) sobre cuya boca se tensa y ata una piel o parche (muy frecuentemente de gato o de conejo). En el centro de ese parche se inserta previamente –de modo que entre hacia el interior del instrumento unos dos centímetros pero sin romper la piel– una caña o una pluma de ave; sobre esa caña la mano derecha, humedecida con agua, va frotando arriba y abajo hasta conseguir el sonido ronco y grave del parche.
La zambomba es un instrumento primitivo que, tal vez por su poca versatilidad y sus reducidas funciones (normalmente era juguete para niños o acompañamiento para Navidad y Carnaval), ha sido poco estudiado. Filippo Bonanni, siguiendo a Marin Mersenne, dice que también se utiliza en las vendimias y termina el párrafo dedicado a este instrumento citando a su maestro, el sabio jesuita Athanasius Kircher, quien también había hablado de él en sus estudios.
Su amplia difusión por todo el mundo y sus muchas variantes dentro de su sencillez (la fricción se efectúa con cuerda, con crines, con un palo, con una caña, con una pluma), hablan en favor de su antigüedad y su uso tradicional. Esa fricción se efectúa, o bien de arriba hacia abajo de la caña insertada en la piel (como ya se ha dicho) o bien haciendo girar a un lado y al otro la caña entre las palmas de las manos.

Este instrumento se exhibe en la Fundación Joaquín Díaz de Urueña.

Txalaparta

La txalaparta es un instrumento de percusión, tradicional de Euskal Herria. Generalmente consta de dos soportes (cestos, sillas, banquetas, etc.), sobre estos algún material aislante (hoja de maíz, sacos viejos enrollados, hierba seca, etc.) y sobre esto un tablón que es golpeado con cuatro palos (dos cada txalapartari).
Las maderas más utilizadas para el tablón han sido las de aliso, castaño, fresno y otras del país. Aunque tradicionalmente cada txalaparta solía tener dos o tres tablas de madera, recientemente es habitual encontrar txalapartas formadas por una docena de tablas.

Descripción y origen
Su utilización estaba íntimamente ligada a las labores de fabricación de la sidra. Tras triturar la manzana, se celebraba una cena y la fiesta se podía prolongar hasta altas horas de la madrugada.
Una vez terminada la cena, al oír el instrumento, la gente de los alrededores se iba animando y se acercaba al lugar. Siempre ha estado relacionado su uso con el medio rural y con este modo de vida. También se utilizaba en otra celebración: la boda, bien el mismo día o días antes del festejo. Podemos decir que allí donde se escuchaba tocar la txalaparta había una fiesta, ya que se empleaba para entretener a la gente y para hacer música festiva y juegos rítmicos con improvisación.
Todo lo que sabemos de la Txalaparta se debe a lo que personas como J. M. Beltrán han aprendido directamente de las dos últimas parejas de txalapartaris que se han conocido: los hermanos Miguel y Pello Zuaznabar del caserío Sasoeta de Lasarte, y los hermanos Asentsio y Ramon Goikoetxea del caserío Erbetegi-Etxeberri de Astigarraga.
La mayoría de los testimonios de ambas parejas son similares. Para empezar, es curioso que en ambos casos se trate de parejas de hermanos, así como que en el aprendizaje se haya producido un salto generacional, pues ambas parejas habían aprendido a tocar de sus abuelos. Después de la cena montaban el instrumento, generalmente fuera en la puerta, y empezaban a tocar. Así comenzaba otra fase en la fiesta a la que acababan uniéndose todos/as aquellos/as que desde caseríos cercanos oían la Txalaparta (se dice que podía oírse en un radio de 5 km).
El modo de tocar en esencia el mismo para ambas parejas, si bien los nombres que reciben los intérpretes y sus combinaciones de golpes son diferentes. Según los Zuaznabar uno de los dos recibe el nombre de Ttakun (orden) y ttakun es también el nombre de cada una de las series de dos golpes que éste realiza. Tales golpes se suceden en el tiempo de modo que dejan intervalos para que el otro txalapartari los rellene a voluntad. Este otro recibe el nombre de Herrena (cojo), y podrá elegir entre hacer ttakun (dos golpes), herrena (un golpe) y hutsune (ninguno).
En el caso de los hermanos Goikoetxea los nombres son diferentes: Ttakun Tukutun, Herrena Urguna. No son éstas las únicas diferencias, mientras Miguel y Pello disponen de una tabla específica para tocar Txalaparta que guardan en algún lugar del caserío, Ramón y Asensio afirmaban que era al golpear la manzana en el tolare (lagar) cuando elegían aquella tabla que apartarían al acabar la labor. Esta tabla se dejaba a secar en el tejado, cumpliendo así de paso la función de hacer que todos/as se enterasen de la proximidad de la fiesta.
Salvo en una ocasión, en que celebrando la kinto-afaria (cena de despedida de la “mili”) los Zuaznabar acabaron tocando con las tablas de una caseta que estaba en un paso a nivel de la línea de tren Bilbao-San Sebastián, el ambiente de la Txalaparta de San Sebastián-Urumealdea siempre ha sido la elaboración de la sidra. Otro dato curioso es que siempre se ha tocado de noche.
Además de la combinación de golpes, que los viejos txalapartaris utilizaban para crear un juego en el que uno pone el orden o equilibrio mientras que el otro se dedica a romperlo para hacer el desequilibrio, también se añadían al juego otros recursos musicales. La tónica general era que el Herrena se dedicase a crear tensiones rompiendo el ritmo impuesto por el Ttakun, para acabar cayendo irremediablemente en un equilibrio que se prolongará hasta acabar la sesión. En este desarrollo se aplicaban recursos como aumentar el tempo a lo largo del toque o aumentar la intensidad de algunos golpes, jugar con las distintas zonas del tablón para conseguir diferentes sonoridades.
Respecto a la forma del instrumento, además de la tabla ya mencionada (una del lagar para los Goikoetxea y una tabla específica para los Zuaznabar), era similar en ambos casos. A modo de aislante acústico entre el tablón y los puntos de apoyo utilizaban a menudo hoja de maíz, y en su defecto lo primero que encontrasen a mano como ropa, etc... No hay constancia de que hayan empleado pieles de algún animal con ese fin. Los puntos de apoyo han sido cestos de castaño invertidos como un par de sillas que tuvieran cerca, en cualquier modo más bajos que los caballetes que se vienen usando hoy en día, en consecuencia las makilak o percutores eran más largos.

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Trikitixa

Es un acordeón diatónico de botones. También se denomina a una danza, o al conjunto de pandero y acordeón diatónico. 
Lleva utilizándose desde el siglo XIX y pronto se convirtió en instrumento favorito de fiestas y reuniones, al ser un buen acompañante en los bailes “agarraos” (valses, mazurkas , pasodobles…). 
La trikitixa hace suya el repertorio de los anteriores tamborileros, albokaris y dulzaineros, y los adecua, al ofrecer muchas mas opciones. La trikitixa ha conocido un gran auge estos últimos años, con gran cantidad de escuelas, trikitilaris, diferentes estilos, profesionales, discos, y una salida internacional, liderada por Kepa Junkera.

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Tible

El tible (en castellano, tiple) es un instrumento de madera con boca de doble caña que pertenece a la familia de las chirimías. Su nombre completo es el de chirimía tible. Este instrumento se tocaba por toda Europa hasta el siglo XVII. Había chirimías de diferentes medidas, que doblaban las voces en la música coral. De aquí vienen precisamente los nombres abreviados de tible y tenor, con los cuales se conocían a los actuales tible y tenora.
El tible, igual que la tenora, pertenece a la familia de los instrumentos de caña o lengüeta, de la cual también forman parte el clarinete, el oboe, el saxofón, el corno inglés, el fagot, etc. La vibración de la lengüeta es lo que produce el sonido, el cual depende en gran manera de las características de la caña utilizada. El tible utiliza el tipo de caña llamada caña doblada, factor de gan importancia y motivo de preocupación constante de nuestros músicos.
Antiguamente, este instrumento consistía en un tubo de madera con agujeros que se tapaban con los dedos. Era un instrumento muy parecido a la gralla. Según tenemos entendido, en el siglo XIX se le añadieron unas llaves metálicas con un sistema muy rudimentario, sistema que había ideado el clarinetista Ivan Muller en el año 1811.
La madera utilizada por los artesanos para su construcción es la de ginjolero, muy dura y casi nada propensa a agrietarse. Una vez cortado el árbol, se debe dejar reposar 30 años antes de darle forma al instrumento a partir de su madera.
De tesitura elevada, el sonido del tible es muy agudo y estridente. Su acento es rústico.
Este instrumento está afinado en Fa, y suena una cuarta más alta.
Sus notas picadas producen un efecto muy atractivo, y son aprovechadas para darle un toque vivo y dinámico a la música.
Encontramos un valioso ejemplo de su utilización en las coblas de sardanas, en las que desarrollan un papel imprescindible.

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Tamboril

Instrumento compuesto por un cilindro de madera de hasta 50 centímetros de altura, recubierto por ambas bocas con parches de pergamino de 25 a 30 centímetros de diámetro, que se tensan con cuerdas y tirantes de cuero. Se toca generalmente colgado del brazo izquierdo (el mismo que sostiene la flauta de tres agujeros con la que se combina) y con una sola baqueta empuñada por la mano derecha. En el parche inferior, que no se toca, se suele colocar algún bordón o cuerda que roza superficialmente la piel y vibra con ella.
Toda la iconografía de este instrumento desde la Edad Media -aparece ya en las Cantigas de Santa María- muestra al tamboril y a la flauta de tres agujeros unidos, tanto en la corte como en la aldea. Aunque el tamaño varía y va desde atabalillos hasta tambores de considerable tamaño, la colocación y ejecución del intérprete parecen similares siempre. Si bien no puede asegurarse que su origen sea militar, tuvo mucha relación con actividades marciales por resultar su sonido enardecedor para los soldados. En España desde muy temprano aparece unido también a bailes y celebraciones rústicas según refleja un antiguo refrán: "La olla sin cebolla es como boda sin tamboril".
Algunos tamborileros construían y decoraban su tamboril, incluyendo en la baqueta con que lo golpeaban o en el cilindro expresiones talladas o pintadas del tipo "Viva mi dueño", "Me hizo Fulano de Tal" o "Es de Mengano...". La decoración solía reunir los clásicos elementos como cruces, peces, pájaros o el árbol de la vida, según muestra el tamboril del Museo de Urueña, decorado por su propietario José Ramón Cid Cebrián, de Ciudad Rodrigo (Salamanca).

Este instrumento se exhibe en la Fundación Joaquín Díaz de Urueña

Requinto

Es un tubo cónico de madera con seis agujeros (más dos oídos en la campana que no modifican el sonido). En el extremo más estrecho de ese tubo se coloca una pieza metálica llamada tudel donde se inserta el órgano sonoro, que es una doble lengüeta hecha de caña. La escasa longitud del tubo con respecto a otros instrumentos similares contribuye a su denominación, pues suele estar afinado una quinta más arriba que las dulzainas normales. Aunque la pipa se hace habitualmente con una caña desbastada, no es extraño encontrar alguna pipa hecha de cuerno pulimentado y hasta de los cañones de las plumas de grandes aves como la avutarda.
El requinto tiene el mismo origen que la dulzaina. Sin embargo, la doble vía de desarrollo -en las capillas cortesanas y en el medio rural- es, probablemente, el motivo por el que en la actualidad se encuentran modelos de diverso tamaño. Durante el siglo XIX toda la historia del instrumento dio un giro (al menos en el centro de la Península Ibérica) con la irrupción del músico y constructor Ángel Velasco, pero su actividad no afectó al requinto, sino a un tipo de dulzaina que vio aumentada paulatinamente su longitud y a la que el constructor vallisoletano dotó de llaves para facilitar a los intérpretes la ejecución de melodías cromáticas.
Requinto se suele llamar también a un tipo de clarinete agudo (muy utilizado desde Galicia o Cantabria hasta Murcia o el Levante español) y a una pequeña guitarra (usada en la Mancha y en el sureste de la Península), en ambos casos por tratarse de instrumentos a los que se les ha subido una quinta con respecto a su modelo original. Casi todos los requintos de tipo dulzaina conservados tienen la campana recubierta por una o dos piezas de latón y un refuerzo de la misma aleación en la parte donde encaja el tudel. La madera suele ser de peral o de encina.

Este instrumento se exhibe en la Fundación Joaquín Díaz de Urueña.

Salterio

Sobre una caja larga y estrecha, de poca altura, van extendidas -entre dos puentes situados a los extremos de dicha caja- cinco o seis cuerdas que se golpean con una baqueta. Esas cuerdas, afinadas en quintas y octavas, dan un acorde produciendo un sonido suave. El músico suele colocar el instrumento longitudinal a su cuerpo (reposando en parte sobre el pecho) y lo sujeta con el antebrazo izquierdo en cuya mano lleva una flauta. Con la mano derecha, en la que lleva una baqueta, va golpeando las cuerdas rítmicamente mientras hace la melodía con la flauta de tres agujeros.
Referencias literarias como la conocida del Arcipreste de Hita, que después citaremos, nos hacen pensar en que el instrumento tuvo una amplia difusión durante la Edad Media y el Renacimiento (siglos XIV a XVI), sobre todo en la zona norte de la Península Ibérica. Cuando Juan Ruiz habla de un salterio "más alto que la mota" que sale con la guitarra y el rabel a recibir a Don Carnal, parece estar definiendo, en efecto, a este instrumento alargado cuyo origen pudo ser cortesano pero que después tuvo una difusión popular. A favor de ese pasado cortesano, habla el hecho de que aparezca en pinturas de los siglos XV y XVI en España, Francia e Italia, sabiendo lo normal que era en esa época el intercambio de músicos e instrumentistas en muchas cortes europeas.
Hoy día la tradición sólo lo ha conservado en determinadas zonas de Aragón, País Vasco francés, País Vasco español y el Bearn. Normalmente se le denominaba salterio, chorus o tambor de cuerdas. En vocablos localistas chun-chun (chicotén es un término literario muy cuestionado y tal vez derivado del italiano cicuterna), tun tun, tambor de Bearn, tambourin de Gascogne y tambourin de Provence.

Este instrumento se exhibe en la Fundación Joaquín Díaz de Urueña.

Tenora

La tenora es un instrumento aerófono de doble caña de la familia de las chirimías. Su nombre proviene de la economización de la expresión chirimía tenor, constituyendo uno de los instrumentos más característicos de la cobla y la sardana.

Historia
El perfeccionamiento de dicho instrumento y su introducción en la cobla fueron llevadas a cabo por Josep Ventura hacia la segunda mitad del siglo XIX. Por encargo del mismo Ventura, Andreu Toron la introduciría en Perpiñán y, tiempo después, Aureli Vila la llevaría consigo a México, a mediados del siglo XX.
En 1933 Josep Coll escribió el llamado Método de tenora y tible, obra base para el correcto manejo del instrumento, mientras que Juli Garreta escribiría lo siguiente sobre la tenora:
Sólo hay un instrumento en el mundo que pueda dar un grito de alegría o de dolor con voz humana y éste es la tenora.

Constitución
Consta de cinco piezas fundamentales: la caña, el tudel, el cuerpo superior, el cuerpo medio y la campana. Posee también trece llaves tomadas, al estilo del oboe, para que el músico pueda interpretar diferentes notas. Está hecha, básicamente, de madera de azufaifo, a excepción de la campana y las llaves, fabricadas en metal. Al parecer, antiguamente se fabricaba con madera boj y tenía 70 centímetros de largo.
Actualmente mide unos 85 centímetros y suena gracias a la vibración de una doble caña. Se afina en si bemol y permite interpretar piezas del fa2 al sol5.

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Alboka

La alboka es un instrumento de viento. Actualmente su uso se ha reducido al País Vasco. Puede estar formado por dos cuernos de novillo de entre 2 y 3 años, el cuerpo de madera y dos tubos que pueden ser de diversos materiales (en la versión vizcaína) o por un solo cuerno o “adar handi” y cuerpo y boca de madera en una sola pieza y los dos tubos (versión guipuzcoana). Por último, dispone de dos fitak de lengüeta simple de caña, que se encargan de crear el sonido.
Su sonido es similar al de la gaita y, al igual que ella, el sonido no es interrumpido. El método utilizado para tocar es el de la insuflación continua y para ello se utiliza la respiración circular, con esta técnica se consigue respirar sin dejar de tocar.

Significado del nombre "Alboka"
El nombre de Alboka procede del término árabe al-buk (trompeta) y fue un instrumento muy popular tanto en Europa, África y parte de Asia. Es difícil saber cuándo se introdujo el instrumento en el País Vasco pero los primeros documentos hacen referencia al año 1443 (en Mondragón, Guipúzcoa).

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Gaita de bota riojana

La gaita de bota riojana es un tipo de cornamusa originaria de La Rioja y tocada también en zonas limítrofes de Burgos, de Soria y de Álava (en euskera denominada xirolarru) con esta región. Algunas personas sostienen la hipótesis de que la llamada "gaita de saco" tocada en las provincias de Segovia y Ávila, sea este instrumento por ser zonas de tradicional e intenso pastoreo trashumante a través de la Cañada Real Soriana Occidental, sin embargo no existen pruebas de ello.
Se trata de un instrumento musical de viento con dos tubos sonoros: el ronco, que está provisto de una lengüeta simple y emite una nota pedal, y el puntero o flauta, cuyo elemento sonoro es una doble lengüeta de caña y en el que se ejecutan las melodías; un odre de piel al que van conectados los tubos mencionados y un tubo de insuflación provisto de una válvula que impide el retroceso del aire.
En La Rioja, este instrumento recibe el nombre de bota o gaita de bota supuestamente para diferenciarla del oboe popular llamado gaita. Su uso, en épocas anteriores más extendido en otros valles, se redujo a la zona del Alto Najerilla y sierras de la Demanda y Urbión, hasta los años 1950 en que dejó de emplearse al desaparecer la danza tradicional a la que estaba ligada. Actualmente ha sido recuperada junto con las danzas tradicionales de algunos pueblos en los que era utilizada, como Ventrosa y Viniegra de Arriba. Su referencia más antigua aparece en el pueblo de Oyón (Álava), en la comarca de la Rioja Alavesa, a 6 km de Logroño.
Está emparentada con las cornamusas del noroeste de la Península Ibérica. Su morfología es similar a la gaita gallega o a la gaita asturiana, es decir, con ciertas diferencias con respecto a las cornamusas de origen pirenaico o mediterráneo como la gaita de boto aragonesa, el sac de gemecs o la xeremía de las Baleares. La única particularidad de la gaita de bota puede ser la posesión de una gran potencia sonora.
En ocasiones los dulzaineros fueron intérpretes de gaita de odre, llegando incluso a formar conjuntos instrumentales de dulzaina y bota y adaptando el repertorio tradicional para la interpretación conjunta de ambos instrumentos.
Actualmente se fabrican gaitas de bota en las afinaciones de do y si bemol.

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Sac de gemecs

El sac de gemecs (literalmente, "bolsa de gemidos") es un tipo de gaita típica del levante español.

El instrumento consta de un puntero, un tubo para insuflar el aire (portaviento o soplete), y tres bordones. El bordón más grave (bordó llarg) toca una nota dos octavas por debajo de la tónica del puntero. El bordón mediano (bordó mitjà) toca una quinta por encima del bordón grave. El bordón agudo o chión (bordó petit) toca octava por debajo del puntero, por lo tanto una octava por encima del ronco o bordón grave.

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Toque de piedras

El toque de piedras es una forma de producir sonido a modo de instrumento de percusión mediante el choque de estas. Su uso estuvo extendido entre los pastores de muchos pueblos riojanos de tradición ganadera, que para entretenerse en sus ratos libres, y al no tener medios económicos para adquirir un instrumento, acompañaban así sus jotas.

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Fiscornio de cobla

Aunque el término catalán fiscorn puede referirse al fliscorno en general y al fliscorno soprano en particular, en Cataluña se emplea hoy en día para designar un instrumento de la cobla catalana.
Se trata de un instrumento de metal, es decir: con embocadura de boquilla; cuenta con válvulas y el tubo es cónico, pertenece a la familia instrumental de los saxhornos, y tiene la campana mirando adelante. En todo eso es como el fliscorno habitual, pero a diferencia de éste, que es de tesitura soprano y está afinado en Si bemol, el fiscornio de la cobla es un saxhorno barítono afinado en Do.
Empleado en su origen por bandas de polca en Alemania y en Checoslovaquia, así como por bandas militares en Italia, ha ido dejando de usarse en esas tierras y ha continuado su historia en Cataluña. En virtud de su fascinante timbre de carácter recogido (es decir: con poca intensidad en los armónicos redundantes), pero con cuerpo, y buen volumen y efectivo en la masa instrumental dada su construcción con la campana mirando adelante, ha sido preferido en la sección de metal a otros instrumentos graves de válvulas, y así se convirtió muy pronto en un instrumento emblemático de la cobla, junto con la tenora y el tible.
Si bien ha ido siendo apartado en el ámbito internacional de la mayoría de las agrupaciones por cuestiones de entonación, su poderoso sonido de tesitura de barítono no tiene par entre los instrumentos de metal, salvo tal vez el bombardino barítono, no obstante tener éste la campana orientada arriba. La cobla La Principal d'Ámsterdam, que al parecer es la única que hay fuera de Cataluña, emplea bombardino barítono en lugar de fiscornio. Los otros instrumentos similares, como el bombardino y el saxhorno barítono, quedan ahogados en la música al aire libre por el fuerte sonido de la tenora, el tible, la trompeta y el trombón de válvulas en Do de la cobla.
Hoy en día, en Cataluña se emplea el fiscornio, además de en las coblas, en grupos de música tradicional.
Hace algunos años, la popular Banda de Cornetas y Tambores "Stmo. Cristo de las Tres Caídas" de la Hermandad de la Esperanza de Triana, los introdujo como parte de su instrumental, añadiendo esas voces barítonas a la melodía, que tanto agradece este tipo de música procesional.
Gracias a su Director, José Julio Vera Cuder, que puso de moda en este tipo de Bandas este popular instrumento, la Banda de las Cigarreras introdujo más tarde las Tubas, Trombones y Bombardino como parte de las Bandas de Cornetas y Tambores.

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Pandero cuadrado

Instrumento formado por un bastidor cuadrado de madera de unos 5 centímetros de ancho, recubierto totalmente de piel y en cuyo interior hay varias cuerdas de tripa, tensadas de lado a lado, de las que cuelgan cascabeles. En casi toda España se suele tocar apoyado entre los dedos pulgar e índice de ambas manos, dejando libres los demás dedos para tamborilear sobre el parche el ritmo deseado. En Peñaparda (Salamanca), las intérpretes (normalmente son mujeres) colocan el bastidor del pandero en la rodilla izquierda -elevada sobre un escabel- y, sujetándolo con una cinta de cuero al dedo pulgar de la mano izquierda, aprovechan los dedos de esa misma mano para golpear un lado, mientras que con una baqueta actúan sobre el otro parche haciendo contrapuntos rítmicos.
Un pandero cuadrado y de colgar dibuja Michael Praetorius en su Sintagma Musicum (lámina XXX), definiéndolo como "pandero moscovita". En España, el pandero cuadrado tiene su máximo esplendor a finales de la Edad Media y comienzos del Renacimiento. Tanto es así, que algunos grabados muestran el baile de nuestro país acompañado exclusivamente por este instrumento, siempre en manos de una mujer al estilo de como se hace hoy todavía en Asturias, Galicia o León. Un ejemplo claro es el dibujo que aparece en el códice Madrazo-Daza que mostramos.
En Portugal todavía se conserva, con el nombre árabe de adufe (duff parece que es onomatopeya del golpe sobre la piel y tiene raíz semítica), un instrumento idéntico en construcción y ejecución; también en Cataluña se le llegó a denominar aldufe. Casi todas las menciones literarias le identifican con el medio rural y lo hacen acompañar bailes de aldea.

Este instrumento se exhibe en la Fundación Joaquín Díaz de Urueña.

Gaita asturiana

La gaita asturiana es un tipo de gaita tradicional en Asturias, Cantabria y partes de Galicia y de León, en el norte de España. Se trata de un instrumento de viento, de la familia de lengüeta doble. En Cantabria recibe el nombre de gaita asturcántabra o simplemente cántabra, neologismos que hacen referencia al mismo instrumento.

Partes de la gaita Asturiana
La gaita asturiana consta de cuatro partes principales cuyo número y disposición pueden variar:
El soplete, que es un tubo por el cual el intérprete introduce el aire y que posee una válvula unidireccional para evitar el retorno del mismo al hacer presión sobre el fuelle.
El punteru, es un tubo melódico aproximadamente cónico que funciona con una lengüeta doble llamada payuela o paḥuela.
El roncón, que es un tubo bordón afinado dos octavas por debajo de la tónica del punteru. Está formado a su vez por tres partes, que se ensamblan: la prima, la tercia y la copa. La vibración la produce una lengüeta simple sobre un pequeño tubo, originalmente de caña y en la actualidad de fibras sintéticas y en ocasiones una lengüeta metálica conocida como payón.
El fuelle, ḥuelle o juelle, que es una bolsa encargada de guardar el aire. Originalmente se fabricaban con la piel de un cabrito pero en la actualidad se tiende a la utilización de materiales sintéticos, como el Canmore y el Goretex, con el fin de favorecer la transpiración y disminuir los perjudiciales efectos de la humedad sobre la madera del instrumento.

Diferencias con otras gaitas
La gaita asturiana es de mayor tamaño que la gaita gallega para la misma tonalidad, es decir, sus tubos son de mayores dimensiones. La lengüeta del puntero (payuela) es de menor tamaño que la palleta gallega. Respecto a la gallega, como la frecuencia de partida de la misma es más alta, unido a la diferente distribución de los orificios digitables en el punteru, la extensión sube más fácilmente hasta la 4ª de la segunda octava tan sólo con incrementar la presión del aire apretando con más fuerza el fuelle con el brazo (requintar).

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Trompa de Ribagorza

Se trata de un instrumento aerófono de doble lengüeta de la familia de los oboes. Afinado en SOL (tónica DO) con agujero doble para FA# y FA tiene un tubo sonoro de forma conica.
Muy utilizado en la comarca de la Ribagorza y principalmente en el pueblo de Graus.
La Trompa De Ribagorza o Trompa de Graus, es prima-hermana de la Chirimia, Xirimía, o Grallón (y tambien de la Dulzaina o Gaita Navarra) en España; Chalemelle, Chalemie, Chelemele ... Francia; Schalmei, Schalmey ... Alemania; Shawm en Inglaterra; Cialamella, Ciaramella, Piffaro ... Italia; etc 

Instrumundo

Timple

Instrumento musical canario de cuerda pulsada parecido a la guitarra pero bastante más pequeño y de solo cinco cuerdas, aunque existe una variedad en algunas zonas de Tenerife de cuatro. Su función principal es la de acompañar en las parrandas de música folclórica canaria. Es el instrumento más emblemático de las islas.

Descripción
Antiguamente llamado tiple, también se le conocía como camellito a camellillo por la forma de la tapa posterior que recordaba a una joroba. Es un instrumento que tradicionalmente se toca rasgando con la mano derecha, de sonido agudo y muy sonoro. El timple consta de las siguientes partes: una caja en la que se halla la boca, la tapa armónica y el puente inferior; un mástil con los trastes y el diapasón; y un clavijero, donde se encuentran las clavijas y la cajilla. Su afinación general es RE, LA, MI, DO, SOL. A pesar de que su función inicial ha sido la de acompañamiento musical en romerías y parrandas, ha habido un cambio en la tendencia gracias al trabajo de varios timplistas que lo han elevado a la categoría de instrumento solista.

Historia
Aunque no existen documentos que confirmen su procedencia exacta, está muy clara y aceptada la relación del timple con la familia de guitarras y vihuelas de la época del renacimiento y barroco europeo. Estos instrumentos viajaron por Canarias y Sudamérica de mano de los europeos por lo que coinciden en antecedentes, así se encuentran emparentados instrumentos como el charango de Bolivia, el cuatro venezolano, el ukelele hawaiano, el guitarro español o el chavaquinho portugués. En Canarias, la construcción de los primeros timples data del siglo XIX, cuando aún se les llamaba tiples, posteriormente en el siglo XIX evoluciona el término a timple y a mediados del mismo comienza la construcción de manera más sistemática en Lanzarote, con el constructor Simón Morales Tavío.

Materiales
Las maderas más utilizadas para las tapas son el pino o pino-abeto; para la tapa posterior y los costados, el palo santo o el moral; para el mástil y los puentes, el ébano o el coralillo; y para los aros y adornos, el naranjo. En cuanto al material para las cejillas, tradicionalmente se ha utilizado el hueso de vaca o de camello pero actualmente se ha generalizado el uso de materiales sintéticos. Los trastes son de metal. Por último, las cuerdas solían ser de tripa de animal, luego pasaron a utilizar tanza de pesca y, aunque siguen en uso, hoy en día dominan las manufacturadas industrialmente tanto de nylon como de fibra de carbono.

Distribución
Se toca en todas las islas del archipiélago y como hemos dicho el primer fabricante importante fue un lanzaroteño. En general no existen variedades entre las islas excepto en algunas zonas de Tenerife que se toca con cuatro cuerdas en vez de cinco. Lo que hacen es quitarle la quinta cuerda y cambiar la afinación pero no existen timples de cuatro cuerdas, por lo tanto solo podemos hablar de una adaptación de una zona en particular.

Canariwiki

Pandereta

Podría definirse este instrumento como unas sonajas con parche, es decir, un aro de madera de dos dedos de ancho sobre uno de cuyos lados va un parche y a lo largo de cuyo bastidor van insertadas unas rodajas de metal (rizado o alabeado) que chocan unas con otras. Se suele sostener con la mano izquierda, introduciendo el dedo pulgar en un agujero practicado en el bastidor de madera, y golpearse el parche con la mano derecha cerrada o haciendo resbalar los dedos pulgar, índice y corazón por la piel. A veces lleva unos cascabeles o alguna campanilla para aumentar y dar contraste al sonido.
Aunque ya se observan representaciones de mujeres tocando un instrumento similar en la Edad Media, las primeras menciones literarias con el nombre específico de pandereta no aparecen hasta el siglo XIX. Por ellas se ve que las cantadoras rurales y los estudiantes eran los principales depositarios de una larga tradición que ha llegado hasta nuestros días. Durante el siglo XIX era costumbre muy extendida, tanto en el medio rural como en el urbano, la de adornar los parches con pinturas y algunos grandes artistas llegaron a realizar al óleo hermosas decoraciones.
La Biblia, en el capítulo XV del Éxodo, habla del cántico que entona Myriam o María, la hermana de Moisés y Aarón, para alabar a Dios porque defendió al pueblo de Israel de la caballería egipcia; toma en sus manos un tímpano o pandereta y, seguida por un coro, emprende una procesión. La escena ha sido representada multitud de veces en la pintura y escultura. Con el mismo nombre latino de timpanum aparece una pandereta en un tratado holandés de comienzos del siglo XIV. De esa época es también el salterio inglés donde aparece la letra capitular adjunta en la que se puede ver un grupo de músicos haciendo sonar diferentes instrumentos entre los cuales está la pandereta. Hasta el siglo XIX, como se ha dicho, se llama genéricamente pandero a cualquier instrumento de percusión, con una o dos membranas sobre un bastidor redondo o cuadrado, ya tenga sonajas o no.

Este instrumento se exhibe en la Fundación Joaquín Díaz de Urueña.

Pitó rociero

Centrándonos en el pito rociero (instrumento de viento madera con embocadura o, según Hornbostel y Sachs, aerófono), es un tipo de flauta que a diferencia de otras, consta de tres agujeros en la parte inferior: dos delanteros y uno trasero. Este instrumento se toca con una sola mano,  sosteniéndose con los dedos meñiques y anular. A través de las diferentes colocaciones de los dedos índice, corazón y pulgar, se consiguen cuatro sonidos: el primero, con los tres dedos tapando los tres agujeros; el segundo,  levantando el dedo corazón;  el tercero,  levantando también el índice; y el cuarto sonido,  levantando además el pulgar. Dependiendo de la presión en el soplo, sonarán más agudos (más presión) o más grave (menos presión). 
Estas flautas suelen estar afinadas en “si” o en “si bemol”.
La misma persona que toca el pito, a su vez con la otra mano, toca el tamboril (instrumento de percusión indeterminada o atendiendo a la clasificación de Hornbostel y Sachs, se trataría de un membranófono). El tamboril se deja caer en el mismo brazo con el que se sujeta la flauta. El sonido se produce cuando una baqueta de madera choca en la membrana del instrumento. Al músico que toca simultáneamente estos dos instrumentos, se lo conoce con el nombre de tamborilero.
En las obras, el pito rociero es quien lleva la melodía, mientras que la función del tamboril es marcar un ritmo de acompañamiento o bordón. El repertorio habitual de este conjunto son: sevillanas, fandangos, toques propios de oraciones de rezo... pero sobre todo toques característicos de la  Romería del Rocío.
Esperamos que este post os haya servido para conocer otro tipo de flauta, la popular andaluza, y sobre todo para ampliar vuestros conocimientos, ya que además de las flautas de pico que ya conocemos (soprano, contralto, tenor, bajo y gran bajo), existen muchas más.

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